Cannes 2015

Dhepan remporte la Palme d'Or 

De notre envoyée spéciale à Cannes, Samira DAMI
C’est «Dheepan» du Français Jacques Audiard qui a finalement remporté la Palme d’or de cette 68e édition du Festival international de Cannes qui s’est déroulée du 13 au 25 mai. Dix jours de compétition entre 19 longs métrages ont révélé un cru somme toute très moyen. Le jury coprésidé par les frères Cohen a opté pour un cinéma où se mêlent le social et l’action dans une fable où un réfugié Tamoul en France tente de sauver sa peau aussi bien chez lui qu’en France. Mais ce qui dérange dans ce film c’est la fin et le dénouement heureux peu crédible.
Le Grand Prix a été décerné à «Saul Fia» ou «Le fils de Saul» du Hongrois Laszlo Nemes qui traite de la collaboration de certains juifs avec les Allemands dans les camps de concentration.
La troisième récompense du festival par ordre d’importance, soit le prix de la mise en scène, a été décernée à « The Assassin » du Chinois Hou Hsia-Hsien, un film d’arts martiaux maîtrisé au niveau de la mise en scène. Mais il faut vraiment aimer.
Le coup cœur ou prix du jury a récompensé «Lobster» du Grec Lorghos Lanthinos, un film fantasmagorique et burlesque où des célibataires doivent se transformer en un animal de leur choix. Un prix surprise car le film n’a emballé ni la critique ni le public du festival.
Le prix de l’interprétation féminine été attribué en ex aequo à Rooney Mara pour son rôle dans «Carol» de Todd Haynes où l’actrice américaine incarne une vendeuse new-yorkaise amoureuse d’une bourgeoise dans l’Amérique puritaine des années 50, ainsi qu’à Emmanuelle Bercot pour son rôle dans «Mon roi» de la réalisatrice française Maïwenn.
Et c’est l’acteur français Vincent Lindon qui a été récompensé pour sa maestria et son talent pour son rôle dans « La loi du marché » du Français Stéphane Brizé.  Lindon a convaincu par son jeu sobre et discret, mais si présent dans la peau d’un chômeur en quête d’un emploi et qui, pour cela, supporte toutes les règles inhumaines de son nouveau boulot de vigile dans un supermarché au détriment de toutes les valeurs humaines et morales.
Le prix du scénario a récompensé l’Anglais Michel Franco, réalisateur de « Chronic», un film sur la maladie, la douleur et l’euthanasie. Car «pour réussir un bon film, il faut une belle histoire, une belle histoire et une belle histoire » a certifié Alfred Hitchcock.
La Caméra d’or de cette 68e édition a été remportée par le Colombien César Augusto Acevedo pour «La Tierra Y Assombra» (l’ombre de la terre)
La Palme d’or du court métrage, dont le jury a été présidé par le cinéaste mauritanien Abderrahmane Sissako, a échu à « Waves 98» d’Ely Dagher.
Enfin, rappelons qu’une palme d’honneur a été remise, sous les applaudissements nourris du public, à la réalisatrice Agnès Varda auteure-réalisatrice, notamment, du film culte «Cléo de 5 à 7». «Cette Palme, parce que obtenue sans compétition, je la reçois comme une palme de résistance et d’endurance». 

S.D.

68e édition du festival international de Cannes

Scènes de violence et de deuil

De notre envoyée spéciale à Cannes, Samira DAMI
Dans l’attente de la projection de «Macbeth» de Justin Kurzel, dernier film programmé dans le lot des 19 longs métrages en course pour la Palme d’Or de cette 68e édition du festival international
de Cannes, focalisons sur les films, toujours en compétition, vus  hier sur la Croisette
«Je n’ai pas d’avis à donner, personne n’y comprend rien à l’Ukraine, à la grande Russie, ce n’est pas du tout de mon ressort. J’aime l’Ukraine, mais je n’aime pas la guerre et les conflits». C’est ce qu’a déclaré Gérard Depardieu à la question d’une journaliste, lors de la conférence de presse organisée dans la foulée de la projection de «The Valley of Love» de Guillaume Nicloux, qui concourt pour la Palme d’Or.
Le comédien, qui a désormais la double nationalité franco-russe, a évité de parler politique, préférant se focaliser sur son rôle dans ce film où il incarne un personnage d’acteur qui porte également le prénom de Gérard. Lequel doit se rendre à «La Vallée de la Mort», en Californie, afin de rencontrer son ex-épouse, Isabelle (Isabelle Huppert). Un rendez-vous bien étrange, car ils ne se sont pas revus depuis une trentaine d’années. Ils répondent à une invitation de leur fils Michael, photographe, qui s’est suicidé 6 mois auparavant, mais qui leur a promis, dans deux lettres adressées, à chacun d’entre eux, de revenir si jamais ils passaient ensemble une semaine dans «La Vallée de la mort», où sévit une chaleur de 60°, et de suivre le programme initiatique qu’il a imaginé. Malgré l’absurdité de la situation, l’ancien couple décide de s’y rendre.
Toujours dans la conférence de presse, Gérard Depardieu et Isabelle Huppert ont répondu aux questions des journalistes et ont défendu ce 5e film français en compétition, en donnant la nette impression d’admettre cette possible réincarnation à laquelle nous avons du mal à croire, même si elle relève du fantastique et se passe dans un lieu mythologique où des parents font le deuil de leur fils décédé. Un fils qu’ils ont délaissé, puisque sa mère ne l’a plus revu depuis qu’il avait 7 ans, alors que son père ne lui a jamais parlé, n’arrivant pas à communiquer avec lui. Mais tout ça nous paraît peu crédible en raison du traitement réaliste d’une fable fantastique. Mieux : malgré l’élément déterminant du décor, soit le désert californien mythique et mystique, dont l’immensité, l’intensité, la chaleur insupportable, la dureté, l’impénétrabilité et l’inhumanité qui aurait dû impressionner, le réalisateur n’est pas arrivé à créer une atmosphère, encore moins à convaincre.
Bref, il ne se passe pas grand-chose dans ce parcours initiatique, sauf quand les deux protagonistes se disputent un peu, ou quand Gérard révèle sa maladie à Isabelle ou, enfin, lorsque Isabelle et Gérard sont confrontés à la présence fantomatique de leur fils. Mais ce dernier est-il vraiment de retour ou ne s’agit-il pas pour lui que d’un moyen afin de les rapprocher après sa mort. La réponse tombe, bien entendu, sous le sens.
Encore et toujours dans la conférence de presse, Depardieu a confié  :«  Quand j’ai lu le script, j’ai été émerveillé par la petite touche de fantastique. Par ces parents qui se retrouvent face au vide qu’ils ont connu pendant trente ans. Ces questions auxquelles on ne peut pas répondre. Ces actes manqués de l’oubli qui leur tombent sur la gueule. Je n’ai pas vu cela dans beaucoup de films ni dans beaucoup de livres sauf peut-être chez Lovecraft ou Bradbury». Ajoutant que «le lieu du tournage a une force tellement intense qu’il agit sur nos émotions». Or, il n’y a nullement trace d’émotion dans ce film, lequel sans la présence de Depardieu et d’Huppert, qui se retrouvent 35 ans après avoir été réuni dans  «Loulou» de Maurice Pialat, n’aurait sans doute suscité aucun intérêt. Bien qu’ Isabelle Huppert ait versé dans le sur-jeu, Gérard Depardieu, lui, s’en tient à la justesse dans l’action. L’acteur physiquement énorme, monumental, gargantuesque, suant de tout son corps, impressionne aussi bien par son physique que par son jeu.

Violence affichée, violence intériorisée

Ainsi, «The Valley of Love» fait partie du lot des 5 films français sélectionnés en compétition, outre «Dheepan» de Jacques Audiard, un film sur l’exil politique et l’espoir de se reconstruire dans un pays étranger. Le film met en scène l’histoire de «Dheepan, un guerrier tamoul, un Tigre, qui se bat pour l’indépendance tamoule au Sri Lanka. Il décide de fuir son pays meurtri par la violence et la défaite en partant avec une femme et une enfant qui ne sont pas les siens, à Paris, dans l’espoir d’une vie meilleure. Sur place, Dheepan devient alors gardien d’immeuble, mais la précarité de sa situation et la fragilité de son foyer le forcent à se battre, encore, pour cette vie nouvelle ». Audiard, et il l’a avoué lui-même, n’a pas fait un film politique et ne prend pas position sur ce conflit. Or, justement son film est resté factuel, avec notamment cette violence des gangs dans la banlieue parisienne qui fait irruption au beau milieu du film. Car ce guerrier tamoul qui a fui la guerre civile dans son pays se retrouve en pleine guerre de la jungle urbaine parisienne. Le réalisateur opposant ainsi la quête de la paix à la violence qui «pourchasse» Dheepan. Mais, justement, traiter de la jungle de la banlieue parisienne par l’intermédiaire du personnage tamoul est-il approprié ? Le réalisateur connaît-il assez ce milieu? Une autre bizarrerie du scénario : le dénouement du film est plus qu’étrange, le réalisateur estimant que «la paix pour cette fausse famille recomposée est possible en Grande-Bretagne, à Londres plus précisément» (Sic).
Pour ce film, Jacques Audiard a fait appel entre autres à des acteurs tamouls non professionnels, notamment, à Antonythasan Jesuthasan, écrivain de son état, pour jouer le rôle principal et qui, pour un essai, s’en tire plutôt bien. Mais, jusqu’ici «Un prophète», pour lequel il a reçu à Cannes 2009, le Grand Prix demeure de loin le meilleur film d’Audiard.
Autre film sur la violence mais intériorisée et sur le deuil  : «Chronic» du mexicain Michel Franco, qui concourt sous la bannière des Etats-Unis. David (Tim Roth) est un aide-soignant travaillant auprès de malades en phase terminale, méticuleux, efficace, dévoué, et passionné par son métier, il noue de véritables relations intimes et humaines avec ses patients. Mais dans sa vie privée, David est inefficace, maladroit et réservé, il ne peut s’épanouir qu’au contact de ses patients. Le personnage central est pétri de contradictions et son esprit n’arrive pas à tracer les frontières entre son travail et sa vie privée. A l’instar de «The Valley of Love»,«Chronic» traite du deuil mais sur un ton froid, clinique et hyper-réaliste en se focalisant sur la dépression d’un infirmier confronté à l’état émotionnel de ses patients. Et pour accentuer ce réalisme, Michel Franco a eu recours aux côtés des acteurs professionnels à des non-professionnels. Le film choque, dérange, entre scènes insoutenables de malades plus proches de la mort que de la vie et dont David exploite la dépendance et la détresse pour supporter sa dépression. Tim Roth s’impose ici en tant qu’interprète susceptible de rafler un prix d’interprétation. Qu’en pense le jury ? Nous le saurons demain, dimanche, journée de la proclamation du palmarès.

68e festival international de Cannes

«Mia Madre» fait l’unanimité sur la Croisette

De notre envoyée spéciale, Samira DAMI
La Croisette est divisée sur tous les films qui ont été projetés jusqu’ici dans cette 68e édition du festival de Cannes : car ni «Notre petite sœur» du Japonais Kore-Eda Hirokazu, ni « Saul Fia» du Hongrois Làszlo Nemes, ni «The Lobster» du Grec  Yorgos Lanthinos, ni The «Sea of Trees» de l’Américain Gus Van Sant hué en projection de presse, ni «Mon Roi» de la Française Maïwenn n’ont suscité l’adhésion totale du public cannois et de la critique internationale. Seul ‘‘Mia Madre’’ de l’Italien Nanni Moretti a fait à la fois rire et pleurer la Croisette, faisant, ainsi, l’unanimité avec en prime 10 minutes d’applaudissements, lors de sa projection. Mieux, cet opus a remporté le plus grand nombre de palmes d’Or dans les pronostics quotidiens de la critique française publiés dans la revue «Le Film Français». Plus il a été désigné par la critique internationale comme l’un des candidats les plus sérieux à la Palme d’Or.
La fable de «Mia Madre» ou «Ma mère» est des plus attachantes : Margherita (Margherita Buy) est une réalisatrice en plein tournage d’un film dont le rôle principal est tenu par le célèbre et insupportable acteur américain d’origine italienne Barry (John Turturro). A ses questionnements d’artiste engagée, se mêlent des angoisses d’ordre privé : sa mère, Ada (Guilia Lazzarini) est à l’hôpital, sa fille, Livia (Béatrice Mancini) est en pleine crise d’adolescence, et son frère Giovanni (Nanni Moretti) se montre, lui, comme toujours irréprochable. Margherita parviendra-t-elle à se sentir à la hauteur dans son travail comme dans sa famille ?
Margherita n’est autre que l’alter ego féminin du cinéaste, il s’agit d’un personnage en crise qui ne comprend pas tout ce qui se passe autour de lui, ses échecs sentimentaux, la maladie de sa mère, la crise d’ado de sa fille, la mythomanie de son acteur principal… Margherita serait-elle le double du cinéaste dans cette fiction, puisque lors du tournage de «Habemus Papam», Nanni Moretti avait perdu sa mère. « Il y a beaucoup de moi dans ce personnage mais pas tout…tandis que Giovanni, le frère de Margherita, qui maîtrise la situation est peut-être la personne que je voudrais être », a avoué le réalisateur  lors de la conférence de presse donnée après la projection de son film. Le côté autobiographique est clair dans ce film qui nous renvoie à cet autre opus du réalisateur romain «La Chambre du fils» où il évoque la perte d’un fils par une famille qui s’effondre  et se disloque suite à ce drame. Ce film a également ému la Croisette, remportant, au final la Palme d’Or de Cannes 2001.
Dans «Mia Madre», l’histoire intime est mêlée à l’histoire professionnelle d’une réalisatrice dont la mère est mourante et qui est en butte à un tournage difficile, du coup la réalité s’entremêle à la fiction, le dramatique au comique, générant une réflexion désopilante sur le cinéma et la fiction. Le réalisateur va plus loin en s’interrogeant si la réalité ne représente pas, en fait, la mort de la fiction et inversement.
Entre rires et larmes, l’action s’égrène de manière subtile tout en sensibilité, en finesse et en émotion. Tous les sentiments humains se déclinent dans ce film où, malgré la tristesse et la mélancolie, le traitement est des plus aériens entre drôlesse et grâce d’un grand réalisateur dont les propos sont d’une grande profondeur humaine.
Le jeu d’une grande justesse et tout en finesse de Margherita Buy qui a déjà été dirigée par le réalisateur dans «Le Caïman» et «Habemus Papam» est déjà pressentie par la critique internationale comme une possible candidate au prix d’interprétation féminine. De son côté, l’acteur John Turturro, rappelons-le, a déjà obtenu le prix d’interprétation en 1991 justement dans «Barton Fink»  qui a également obtenu la Palme d’Or et qui est l’œuvre des frères Cohen, ceux-là mêmes qui président le jury de la présente édition de Cannes.

Cannes 2015

Themes contemporains

 De notre envoyée spéciale Samira DAMI
La Croisette est illuminée par le portrait de la grande actrice suédoise Ingrid Bergman, qui figure à l’affiche du 68e festival de Cannes,  et à laquelle la plus prestigieuse manifestation cinématographique du monde, rend, cette année, hommage. Qu’on se rappelle les films où elle a brillé tels «Casablanca» de Michael Curtiz, «Pour qui sonne le glas» de Sam Wood, «Les Enchaînés »,  et «Les Amants du Capricorne », tous deux signés Alfred Hitchcock ou encore «Les Stromboli» de Roberto Rossellini et «Sonate d’Automne» d’Ingmar Bergman. La carrière de l’actrice, disparue il y a 33 ans, a été couronnée par deux Oscars pour «Hantise» de Georges  Cukor et «Anastasia» d’Anatole Litvak ainsi que des dizaines  de distinctions dont le Golden Globe Awards.
Après  l’ouverture de cette 68e édition du festival de Cannes avec le film hors compétition sur la délinquance des jeunes, «La Tête Haute» de la réalisatrice française Emmanuelle Bercot, place à la compétition qui a démarré avec le film italien «Il Racconto del Racconti » ou Conte des contes de Matteo Garrone où le réalisateur se focalise sur trois royaumes voisins où règnent dans le premier un roi libertin, dans le second un souverain captivé par un animal étrange et dans le troisième une reine obsédée par un désir d’enfant.  L’enjeu du film n’étant autre que la force évocatrice du conte qui a nourri depuis toujours l’imaginaire universel. C’est en utilisant les personnages et  les ingrédients spécifiques au conte, entre monstres géants, fées bénéfiques et maléfiques, sorciers et autres  dans  des décors fantasmagoriques, entre châteaux et labyrinthes, que le réalisateur évoque des thèmes contemporains tels les effets du libertinage, les conflits de génération, le désir de procréation et de beauté éternelle.
L’auteur- réalisateur de «Gomorra » et de «Reality», deux opus ayant  obtenu le Grand Prix du jury, respectivement en 2008 et en 2012, véhicule une idée géniale: entremêler le langage du conte et celui du cinéma, mais, au final, le résultat, entre baroque et gothique, violence et prédation, est pesant et ennuyeux, malgré la volonté d’apporter une certaine touche d’humour à l’ensemble, outre que le casting international qui a réuni Salma Hayek, Vincent Cassel et Toby Jones n’apporte pas ce plus tant attendu.

The Lobster : une réflexion sur la solitude 
Autre film en compétition apprécié sur la Croisette, «The Lobster» du Grec Yorgos Lanthinos révélé il y a 6 ans avec «Canine» son second long métrage qui a remporté à Cannes le prix Un certain Regard, ce cinéaste représente, d’ailleurs, la génération de cinéastes qui se distingue par une vraie créativité générée par la crise que connaît la Grèce durant ces dernières années. Le cinéma de Lanthinos qui se particularise par une empreinte surréaliste ne déroge pas à la règle dans cette comédie romantique noire qui met en scène une société où les célibataires sont obligés de prendre une épouse à moins d’être transformés en animaux. Une réflexion, aux relents absurdes, entre humour et angoisse, sur la solitude, mais aussi sur la peur de vivre en couple. Le film est une dénonciation des rapports violents entre hommes et femmes ainsi que du  modèle sociétal et culturel grec.
C’est dans la section  hors compétition que «L’Homme Irrationnel», le dernier-né de Woody Allen, un habitué du festival de Cannes, a été projeté. Car le réalisateur de «La rose pourpre du Caire» et de «Annie Hall» n’apprécie pas la course aux récompenses et n’a jamais accepté de concourir pour la Palme d’Or, car à ses yeux « la compétition c’est pour les disciplines sportives mais pas pour les œuvres de création». «L’Homme Irrationnel» met en scène  l’histoire d’un professeur de philo, Abe (Joaquim Phoenix), envahi par le doute et qui se pose de multiples questions existentielles du genre : «Et si je trouve mon bonheur dans le crime?». Suivra une descente aux enfers féroce et cynique. Dans cet opus, le réalisateur américain quitte les décors des villes qu’il affectionne, notamment son Manhattan à New-York, pour planter le décor dans le campus universitaire d’une petite ville. «L’Homme Irrationnel» nous renvoie à au moins deux opus du cinéaste « Crimes et délits» et «Match Point» où il s’est déjà focalisé sur la philosophie et les grandes questions existentielles, nous plongeant dans une atmosphère noire et terrible où la conscience est saisie de doute. « Je doute, donc je suis», mais la conscience peut à tout moment sombrer dans la folie nourrie par le doute et la tourmente. Un film attachant où se mêle un faisceau de sentiments et de couleurs du blanc immaculé au noir maculé.

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68e festival international de Cannes

Quand passe le temps !

De notre envoyée spéciale, à Cannes, Samira DAMI
Deux grands films, l’un italien et l’autre chinois, ont marqué la journée du mercredi sur la croisette, «Youth» de Paolo Sorrentino et «Mountains May Depart» de Jia Zhang-Ke. Tous deux se particularisent par leur force créative et inventive et une réflexion profonde sur le passage du temps.
«Youth» est le septième long métrage de Sorrentino, qui a déjà conquis la Croisette en 2008 avec «El Divo» en remportant le prix du jury. Dans la continuité de «La Grande Belleza», son précédent opus, où il proposait une réflexion sur la vie et la mort, «Youth» ou «Jeunesse» met en scène deux vieux amis quasi octogénaires, Fred (Michail Cane) et Mick (Harvey Keitel) qui profitent de leurs vacances dans un hôtel avec spa, en Suisse. Fred, compositeur et chef d’orchestre à la retraite, n’a aucune intention ni envie de revenir à la carrière musicale qu’il a abandonnée depuis longtemps, tandis que Mick, réalisateur, travaille toujours sur l’écriture d’un scénario, sorte de testament artistique. Les deux amis décident de faire face, ensemble, à leur avenir. Mais pas seulement, car les deux personnages,si attachants, remontent le temps, avec humour et espièglerie, en évoquant leur passé avec plus ou moins de sincérité, préférant parfois le mensonge à la vérité ou prétextant parfois l’oubli et les tours que leur joue la mémoire. Ces protagonistes sont entourés d’une multitude d’autres, entre vieux et jeunes, des acteurs, des scénaristes qui coécrivent le scénario avec Mick, des couples en crise, un alpiniste, des saltimbanques, un moine bouddhiste ou le Dalaï Lama en quête de lévitation, Lena, la fille de Fred quittée par son mari, et même un personnage parodiant, l’ancien footballeur argentin Maradona, enfin une Miss Univers évanescente et divine. Le film, qui se déroule en huis clos, décline, donc, une palette de personnages qu’utilisent Sorrentino pour tisser des situations, entre éléments anecdotiques et réflexions universelles, sur le passage du temps, les amours perdus, l’obsession du jeunisme et le temps qui reste à vivre. Le film décline, également, une réflexion sur la réalité représentée ou sublimée par l’art, l’avenir de l’humanité et de l’art. La musique et le cinéma incarnent l’art dans cette œuvre, en opposition au trash, à la télé poubelle… En fait, seules les émotions restent, que ce soit dans la vie ou dans l’art, nous dit le cinéaste. Ainsi, au fil des scènes d’une grande beauté esthétique, même si une partie de la critique internationale les trouve esthétisantes, le réalisateur sculpte sa matière pour générer du grand cinéma. Tels ces plans représentant Fred immergé dans l’eau à Venise ou Mick qui voit surgir dans un pré, où paissent des vaches, tous les personnages de ses anciens films, la scène finale incarne un grand moment de cinéma et de musique. Mieux, cette comédie dramatique où se bousculent les sentiments et ressentiments est admirablement interprétée par trois grands acteurs américains voit Michael Cane, Harvey Keitel et Jane Fonda qui apparaît dans un sublime numéro d’acteur. «Youth», tout autant que «Mia Madre», a de fortes chance de figurer au palmarès que ce soit pour le prix de la mise en scène ou pour la Palme d’Or.

Perte d’identité et de valeurs 
Le film chinois «Mountains May Depart» a aussi conquis le public cannois avec un film qui traite également du passage du temps, entre passé, présent et avenir, qui est si nécessaire à la compréhension des sentiments. Jia Zhang-Ke met en scène l’histoire de Tao, «une jeune fille de Fenyangdans, la Chine de 1999, qui est courtisée par ses deux amis d’enfance, Zang et Liang. Zang, propriétaire d’une station-service, se destine à un avenir prometteur tandis que Liang travaille dans une mine de charbon. Le cœur entre les deux hommes, Tao va devoir faire un choix qui scellera le reste de sa vie et de celle de son futur fils, Dollar. Sur un quart de siècle, entre une Chine en profonde mutation et l’Australie comme promesse d’une vie meilleure, les espoirs, les amours et les désillusions de ces personnages face à leur destin».
Le film se déroule en trois parties, la première déjantée et romantique traite du choix de Tao, sur fond des mutations économiques profondes que connaît la Chine. Car le mode de vie des individus a profondément changé, l’argent et le gain étant devenus au centre de la vie, au point que Zhang a prénommé son fils Dollar, la deuxième partie dramatique évoque la séparation et la déchirure, car Tao ne verra pratiquement plus son fils, le père ayant obtenu la garde après le divorce, enfin la troisième traite du déracinement et de la rupture avec le pays, Dollar et son père ayant émigré en Australie. L’auteur de «The Touch of sin», en compétition il y a deux ans à Cannes, déplore la perte de l’identité, Dollar est perdu, il ne parle plus que l’anglais et a un vague souvenir de sa mère et ne communique avec son père qu’à travers les traductions de Google, il dénonce, en raison de la mondialisation, la perte des valeurs humaines et la rapacité des individus désormais sous l’emprise totale de l’argent. Seule Tao, enracinée dans sa province, représente les racines, l’identité et les valeurs de la Chine profonde et d’un mode de vie humain et équilibré. Dollar, déstabilisé, veut quitter ses études et pense retourner à la maison dont il a les clés que sa mère lui a données quand il avait 7 ans. Mais ce n’est pas facile pour lui. Retrouvera-t-il enfin sa génitrice ?
Ce film dramatique, teinté d’humour, est également habité par le cinéma à travers des plans d’une grande inventivité. Telles ces scènes où une marée humaine forme comme des vagues, celle du mariage ou encore la scène finale où Tao danse sur une chanson cantonaise qui a bercé sa jeunesse et qui traverse toute l’œuvre. Le tout est couronné par un jeu d’une grande maîtrise, notamment, de l’actrice principale Zhao Tao. Voilà un film qui pourrait également figurer au palmarès de cette édition. Le jury avec autant de bons films aura bien du pain sur la planche.

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Quand passe le temps !

De notre envoyée spéciale, à Cannes, Samira DAMI
Deux grands films, l’un italien et l’autre chinois, ont marqué la journée du mercredi sur la croisette, «Youth» de Paolo Sorrentino et «Mountains May Depart» de Jia Zhang-Ke. Tous deux se particularisent par leur force créative et inventive et une réflexion profonde sur le passage du temps.
«Youth» est le septième long métrage de Sorrentino, qui a déjà conquis la Croisette en 2008 avec «El Divo» en remportant le prix du jury. Dans la continuité de «La Grande Belleza», son précédent opus, où il proposait une réflexion sur la vie et la mort, «Youth» ou «Jeunesse» met en scène deux vieux amis quasi octogénaires, Fred (Michail Cane) et Mick (Harvey Keitel) qui profitent de leurs vacances dans un hôtel avec spa, en Suisse. Fred, compositeur et chef d’orchestre à la retraite, n’a aucune intention ni envie de revenir à la carrière musicale qu’il a abandonnée depuis longtemps, tandis que Mick, réalisateur, travaille toujours sur l’écriture d’un scénario, sorte de testament artistique. Les deux amis décident de faire face, ensemble, à leur avenir. Mais pas seulement, car les deux personnages,si attachants, remontent le temps, avec humour et espièglerie, en évoquant leur passé avec plus ou moins de sincérité, préférant parfois le mensonge à la vérité ou prétextant parfois l’oubli et les tours que leur joue la mémoire. Ces protagonistes sont entourés d’une multitude d’autres, entre vieux et jeunes, des acteurs, des scénaristes qui coécrivent le scénario avec Mick, des couples en crise, un alpiniste, des saltimbanques, un moine bouddhiste ou le Dalaï Lama en quête de lévitation, Lena, la fille de Fred quittée par son mari, et même un personnage parodiant, l’ancien footballeur argentin Maradona, enfin une Miss Univers évanescente et divine. Le film, qui se déroule en huis clos, décline, donc, une palette de personnages qu’utilisent Sorrentino pour tisser des situations, entre éléments anecdotiques et réflexions universelles, sur le passage du temps, les amours perdus, l’obsession du jeunisme et le temps qui reste à vivre. Le film décline, également, une réflexion sur la réalité représentée ou sublimée par l’art, l’avenir de l’humanité et de l’art. La musique et le cinéma incarnent l’art dans cette œuvre, en opposition au trash, à la télé poubelle… En fait, seules les émotions restent, que ce soit dans la vie ou dans l’art, nous dit le cinéaste. Ainsi, au fil des scènes d’une grande beauté esthétique, même si une partie de la critique internationale les trouve esthétisantes, le réalisateur sculpte sa matière pour générer du grand cinéma. Tels ces plans représentant Fred immergé dans l’eau à Venise ou Mick qui voit surgir dans un pré, où paissent des vaches, tous les personnages de ses anciens films, la scène finale incarne un grand moment de cinéma et de musique. Mieux, cette comédie dramatique où se bousculent les sentiments et ressentiments est admirablement interprétée par trois grands acteurs américains voit Michael Cane, Harvey Keitel et Jane Fonda qui apparaît dans un sublime numéro d’acteur. «Youth», tout autant que «Mia Madre», a de fortes chance de figurer au palmarès que ce soit pour le prix de la mise en scène ou pour la Palme d’Or.

Perte d’identité et de valeurs 
Le film chinois «Mountains May Depart» a aussi conquis le public cannois avec un film qui traite également du passage du temps, entre passé, présent et avenir, qui est si nécessaire à la compréhension des sentiments. Jia Zhang-Ke met en scène l’histoire de Tao, «une jeune fille de Fenyangdans, la Chine de 1999, qui est courtisée par ses deux amis d’enfance, Zang et Liang. Zang, propriétaire d’une station-service, se destine à un avenir prometteur tandis que Liang travaille dans une mine de charbon. Le cœur entre les deux hommes, Tao va devoir faire un choix qui scellera le reste de sa vie et de celle de son futur fils, Dollar. Sur un quart de siècle, entre une Chine en profonde mutation et l’Australie comme promesse d’une vie meilleure, les espoirs, les amours et les désillusions de ces personnages face à leur destin».
Le film se déroule en trois parties, la première déjantée et romantique traite du choix de Tao, sur fond des mutations économiques profondes que connaît la Chine. Car le mode de vie des individus a profondément changé, l’argent et le gain étant devenus au centre de la vie, au point que Zhang a prénommé son fils Dollar, la deuxième partie dramatique évoque la séparation et la déchirure, car Tao ne verra pratiquement plus son fils, le père ayant obtenu la garde après le divorce, enfin la troisième traite du déracinement et de la rupture avec le pays, Dollar et son père ayant émigré en Australie. L’auteur de «The Touch of sin», en compétition il y a deux ans à Cannes, déplore la perte de l’identité, Dollar est perdu, il ne parle plus que l’anglais et a un vague souvenir de sa mère et ne communique avec son père qu’à travers les traductions de Google, il dénonce, en raison de la mondialisation, la perte des valeurs humaines et la rapacité des individus désormais sous l’emprise totale de l’argent. Seule Tao, enracinée dans sa province, représente les racines, l’identité et les valeurs de la Chine profonde et d’un mode de vie humain et équilibré. Dollar, déstabilisé, veut quitter ses études et pense retourner à la maison dont il a les clés que sa mère lui a données quand il avait 7 ans. Mais ce n’est pas facile pour lui. Retrouvera-t-il enfin sa génitrice ?
Ce film dramatique, teinté d’humour, est également habité par le cinéma à travers des plans d’une grande inventivité. Telles ces scènes où une marée humaine forme comme des vagues, celle du mariage ou encore la scène finale où Tao danse sur une chanson cantonaise qui a bercé sa jeunesse et qui traverse toute l’œuvre. Le tout est couronné par un jeu d’une grande maîtrise, notamment, de l’actrice principale Zhao Tao. Voilà un film qui pourrait également figurer au palmarès de cette édition. Le jury avec autant de bons films aura bien du pain sur la planche.

En direct de Cannes — 3 Questions à Brahim Letaief, directeur de la 26e Edition des Jcc

« Les JCC sur la voie de la continuité… »

De notre envoyée spéciale à Cannes, Samira DAMI

« Opter pour le nombre optimal permis par le règlement des JCC, soit 3 longs métrages en compétition »
Brahim Letaïef est le nouveau directeur de la 26e édition des JCC (Journées cinématographiques de Carthage), nous l’avons rencontré au festival de Cannes dans le pavillon tunisien, qui, hélas, est loin de faire le plein et d’attirer les visiteurs. Tenu par plusieurs membres du personnel de l’administration du Cnci (Centre national du cinéma et de l’image) qui ne sont ni des professionnels, ni des spécialistes, ni des connaisseurs du cinéma, le pavillon n’est  plus que l’ombre de lui-même. Il est très peu fréquenté et dénué de l’effervescence qu’il avait connu auparavant, surtout en l’absence d’un grand nombre de professionnels tunisiens qui, cette année, ont fait faux bond, la Chambre syndicale nationale de producteurs de films n’est pas non plus représentée car n’ayant pas été associée par le Cnci au programme du pavillon. Encore heureux que le pavillon, où trône l’affiche, pas du tout inspirée, des prochaines JCC, prévues du 21 au 28 novembre,serve de lieu de rendez-vous au directeur des JCC qui profite de l’occasion pour prospecter de bons films africains, arabes et du reste du monde. Nous lui avons posé 3 questions.

En tant que nouveau directeur des JCC comptez-vous maintenir la continuité ou imaginer une nouvelle conception de la manifestation ?
Je pense que la continuité, au niveau du contenu, doit être maintenue car les fondamentaux des JCC sont un acquis à sauvegarder tandis qu’au plan de la forme et de l’organisation la manifestation a, comme vous le savez,  évolué. Toutefois, étant devenues annuelles, les JCC qui ont avant tout une dimension artistique, donc culturelle, il est certain que la ligne éditoriale est aussi importante que l’organisation. De ce fait, les JCC ne peuvent se dérouler sans des films arabes et africains projetés en avant-première, je vais, donc, prospecter de nouveaux films fraîchement produits.
La continuité se manifestera d’autre part dans les différentes sections du festival qui seront, évidemment, maintenues, à l’instar de la compétition des films arabes et africains, entre courts et longs métrages du genre documentaire et fiction, le Panorama du cinéma mondial, le Focus sur le cinéma tunisien, la section «Takmil» qui prête une attention particulière au cinéma africain en aidant les films dans la phase de post-production. Cette année je compte reprendre la section «Producer-network», abandonnée l’année dernière, en raison de la forte demande. Ainsi des réalisateurs arabes et africains rencontreront des producteurs étrangers qui pourraient les aider à achever le montage financier de leur opus. Enfin, les régions ne seront pas en reste, leurs publics auront droit à un programme ainsi qu’à la fête qui devrait se passer aussi dans les régions comme dans la capitale. Il est temps que les JCC  s’ouvrent franchement sur la Tunisie profonde.
Concernant le cinéma tunisien, dont de nombreux films sont déjà en boîte, or, lors de la dernière édition, un seul film a été choisi par la commission de sélection pour la compétition, combien comptez-vous en sélectionner durant la prochaine ?
Je sais qu’au moins 5 longs métrages sont déjà achevés et peuvent concourir pour les JCC, ceux de Farès Naâna, Mokhtar Ladjimi, Leïla Bouzid, Mehdi Hmili, Férid Boughdir, aussi j’opterai pour le nombre optimal de films permis par le règlement des JCC, 3 en l’occurrence. Cela afin de donner le plus de chance au cinéma tunisien. Je pense, donc, que la commission de sélection des films en compétition  pourrait, si la qualité le permet, choisir 3 longs métrages pour être en lice. Il est normal que notre cinéma ait de la visibilité aux JCC, comme c’est le cas, par exemple,  cette année à Cannes où 5 films français sont en lice dans la sélection officielle.
Pensez-vous, enfin, qu’il est vraiment temps que les JCC bénéficient d’une structure permanente et indépendante, à l’instar de tous les festivals du monde ?
Certes, j’ai été nommé directeur de la prochaine édition mais il faudrait bien qu’une structure permanente soit, enfin, mise sur pied d’autant que la périodicité de la manifestation l’exige. Car une fois les prochaines JCC terminées, vers la fin novembre, il faudrait rapidement entamer la préparation de l’édition suivante et pour cela, il est nécessaire d’avoir une structure permanente, sinon on perdra l’expérience et le savoir-faire acquis par chaque équipe qui s’en ira avec la direction précédente.